I en genre genomsyrad av storhet är kanske det enda mysteriet vad som inte kom med på listan.
Vad är det som lockar oss i fallet med kriminaldramer? Kanske identiteten på dem vi tittar på när de löser dessa fall? Det är inte alla torra, inövade typer som inte kan sätta lite glädje i processen – även om du alltid måste vara säker på att jobbet blir lyckat. Eller är det kanske själva utredningarnas natur? Var och en av dem har nödvändigtvis några vändningar, särskilt för populära berättande syften. Vi dras in i varje ny ledning, rödströmming och möjligen nya offer, och hoppas att det hela leder till en tillfredsställande upplösning.
Från de rökiga salongerna i 1940-talets film noir till mordmysterier, både verkliga och fiktiva, har deckare satt sin prägel på film. Oavsett om det är en karismatisk huvudperson, en skruvad berättelse eller båda, är dessa 20 filmer bara en liten del av denna fantastiska genre, men de representerar det bästa av det bästa. Här är Screen Rants åsikt om de 20 bästa deckarfilmerna genom tiderna.
20. The Girl with the Dragon Tattoo (2011)
Få deckare är så brutalt avvikande som Stieg Larssons The Girl with the Dragon Tattoo, och av den anledningen kan det ha varit mer än passande att David Fincher regisserade den engelska bearbetningen. Materialet som tillhandahålls till Fincher är dystert, vilket verkligen inte är främmande för honom, och hans vision, som presenteras i tidigare verk (som vi kommer att prata om snart), är helt i linje med tonen i romanen och dess miljö.
Naturligtvis är det lätt att notera Rooney Maras fantastiska prestation som utredare Lisbeth Salander, och hon lyser igenom Finchers typiskt mörka atmosfär. Men det som kanske sticker ut mest är Finchers snabba tempo. Hans film kan vara lite över två och en halv timme lång, men regin för de flesta deckarfilmer, verkar det som, borde vara mer självsäker och akademisk. I det här fallet guidar Fincher tittarna skickligt genom en skruvad berättelse snabbt nog för att underhålla dem, samtidigt som de visar återhållsamhet med viktiga detaljer.
19. Dirty Harry (1971)
När man tänker efter är det inte många anmärkningsvärda egenskaper som skiljer Clint Eastwoods Harry Callahan från hans "Man with No Name" i Sergio Leones "Dollars"-trilogi; byt bara in en western och en vanlig sexskottspistol mot kostymer och en .44 magnum som kan blåsa av dig. Till och med i den sista skärmytslingen med Scorpion har de fallfärdiga byggnaderna och de öde bergen en slående likhet med vilken terräng som helst Eastwood var bekant med i mitten av 60-talet.
Eastwoods Dirty Harry är dock den ultimata stoiska tuffingen; det är rutinmässigt men inget att visa upp, och hans oortodoxa metoder är autentiska. Eastwood spelar honom enkelt, hans uppförande och sätt är enkla, och ändå förblir karaktären häpnadsväckande gåtfull. Föga överraskande har filmen vuxit till en franchise och skapat fyra uppföljare under två decennier. Den enda olyckliga aspekten av filmens berättelse var epidemin av felciterade rader.
18. Thin Man (1934)
På en lista över arketypiska och okonventionella personligheter befinner sig dessa två Charles-detektiver, Nick (William Powell) och Nora (Myrna Loy), på gränsen mellan de två. Å ena sidan är de båda, särskilt Nick, ett exempel på hur en karismatisk Hollywood-skådespelare ska presentera sig själv. Som många skådespelare i sin tid är Charles Powell lugn, cool, samlad och bär på en tyst auktoritet, som vid behov kan bringas till hög volym - till fysisk. Å andra sidan är dessa två humoristiska och kvicka nog att bryta dessa konventioner och stå på sin plats. Dessutom är de vanliga fyllon, men eftersom det var Hayes Hollywood-kod ser det stiligt ut.
Det avgörande ögonblicket i varje mordmysterium är mysteriets upplösning, och den kulminerande middagsscenen i The Thin Man har en spänd, långsam takt för att avslöja identiteten på den verkliga mördaren. De misstänkta trängs runt bordet, kameran panorerar fram och tillbaka mellan var och en av dem och Nick när han kort berättar om händelserna som inkriminerar dem alla. Vem som helst kan vara den verkliga mördaren, och när det avslöjas är det en enorm tillfredsställelse.
17. Insomnia (2002)
Christopher Nola har byggt upp ett rykte som regissör med en unik vision, speciellt för projekt utanför Dark Knight-trilogin. Av den anledningen går han med David Fincher som regissör som har flera filmer på den här listan, och det börjar med filmen som gav honom Batman Begins: Insomnia.
Många av filmerna på den här listan sticker ut på ett eller annat sätt, men Insomnia är särskilt unikt i ett avseende. Som vi ska se, skiljer den sig från resten inte bara på grund av sin psykologiska natur - även om de flesta andra filmer här inte skryter med sådana egenskaper - utan snarare på grund av den moraliska tvetydigheten hos huvudpersonen. Med tanke på några av de andra detektiverna är detektiven Will Dormer (Al Pacino) inget helgon, även om hans karaktär finner förlösning i sista akten. Vi önskar dock desperat att han skulle återvända till lagens sida tack vare Robin Williams starka prestation som Walter Finch, huvudantagonisten.
16 vem inramade Roger Rabbit (1988)
Roger Rabbit är potentiellt ett av de sista fiktivt talande däggdjuren som förväntas avsiktligt begå ett brott, och ändå är han i centrum för en berättelse om "girighet, sex och mord", som Eddie Valiant (Bob Hoskins) uttrycker det. Med Who Framed Roger Rabbit skapade regissören Robert Zemeckis och företaget en innovativ blandning av live action och animation som gav tittarna en påtaglig värld för sina favoritkaraktärer, inklusive Musse Pigg och Bugs Bunny. Men för att vara ärlig är filmen mycket mer intellektuell än en där en seriefigur anklagas för mord.
Viktigare än någon undersökning är Valiants karaktärsbåge. Hoskins gör en förtjusande prestation, med tanke på att mycket av hans dialog handlar om saker som inte finns där, och som ett resultat är hämndintrigen för hans brors mord i händerna på en sadistisk Thawne mycket mer övertygande. Som sagt, vad som inte är mindre lovvärt är filmens engagemang för mörka, till och med oroande ögonblick för att uttrycka mognad, med tanke på dess avsedda syfte som familjefilm.
15. Kiss Bang Bang (2005)
På senare tid använde Shane Black en märklig Hollywood-historia från 70-talet som en del av berättelsen i The Goodfellas, men i Kiss Kiss Bang Bang gör han fullständigt lust åt traditionell filmskapande och filmindustrikultur samtidigt som han skapar ett anständigt mysterium på vägen. Fokus här ligger på komedi, eftersom Harry (Robert Downey Jr.) och Perry (Val Kilmer) spelar varandra med skämtsamt glädje, vilket gör dem till ett bedårande udda par.
Även om viss estetik och teman inte kan undgå Blacks satiriska penna, framstår hans kärleksbrev till film noir som mer pastisch än parodi, och hans kärlek utstrålar ett genuint universalmedel. De ibland kalla, ståliga, blå bilderna är en intressant, uppmärksammad version av vad som kan tolkas som film noirs cyniska atmosfär, så konventioner moderniseras i den meningen. Allt som allt, om du gillade Goodfellas, så är Kiss Kiss Bang en film värd din uppmärksamhet.
14. Zodiac (2007)
Identiteten för Zodiac Killer är ett av Amerikas största och mest skuggiga mysterier, ungefär som Jack the Rippers identitet är för England. Även om David Finchers Zodiac, precis som From Hell, verkar ha sina egna idéer om vem den skyldige var, även om fallet aldrig är helt löst. Åsidosatt spekulationer kan Fincher väva ett bra garn, och tack vare James Vanderbilts manus baserat på Robert Graysmiths bok med samma namn är Zodiac en annan av hans filmer på den här listan.
Spänningen i filmen underskattas ofta, speciellt när Zodiac-mördaren inte försöker ge sig till känna. Men när han syns och hörs på skärmen stiger spänningen till en outhärdlig grad. Som om du inte kan dyka längre in i denna virvelvind är produktionsdesignen helt enkelt suverän och det visuella har en något övermättad kvalitet som förstärker tidskänslan.
13. Brick (2005)
Rian Johnsons fantastiska indiefilm Brick är en av de filmer som känns som en dröm. Det är inte en dröm i visuell mening, utan snarare genom dialog, karaktärisering och händelser. För de som föreställer sig sig själva som en Humphrey Bogart-liknande detektiv är det så Brendan Fry (Joseph Gordon-Levitt) bär sig i vad som bara kan beskrivas som Johnsons fantasivärldsbild inom neo-noir. Det här är ett kärleksbrev som har allt som finns i klassikerna.
Men mest är allt tack vare Gordon-Levitts lugna, självsäkra prestation som en osannolik hjälte. Det han saknar i kontroll över situationen tar han igen med självförtroende och uthållighet. Under scener som hans första möte med Daudet (Noah Segan) eller till och med hans möte med biträdande vice rektor Truman (Richard Roundtree), fångar han omedelbart din uppmärksamhet med en avvägd övertygelse. Sedan finns det stunder som Daudets avrättning och Brendans chockade reaktion på den, och även om det verkar som att verkligheten har spelat in kommer han ändå ut på andra sidan av samma fantasi.
12. LA Confidential (1997)
Film noir behöver inte de svagt upplysta, rökiga atmosfärerna vi pratade om tidigare, eller de lugna kallblodiga detektiverna som hamnar i samhällets smutsiga underliv. Som L.A. Confidential påminde oss för nästan två decennier sedan, kan våld frodas och våld kan frodas. Dessutom, i en genre som gav oss så hårda privatutredare som Jack Nicholson i Chinatown eller någon av de liknande karaktärerna av Humphrey Bogart på 40-talet, är det fantastiskt att se ett övertygande team i Guy Pearce och Russell Crowe som var relativt okända vid den tiden av filmens premiär.
Liksom många fantastiska deckare är filmens handling komplex, full av sidosekvenser och färgglada karaktärer, och även om L.A. Confidentials material är ganska slingrande, förblir det hypnotiskt i sin skildring av poliskorruption. Modern publik kan till och med upptäcka att hans skildringar av systemisk rasism och allmänna fördomar i rättssystemet exakt återspeglar dagens aktuella frågor.
11. Den tredje mannen (1949)
Carol Reeds The Third Man har hyllats av många för sin stämningsfulla film, men hur skulle det kunna vara annorlunda mot bakgrund av det storslagna Wien? Efterkrigstidens Wien verkar vara en läglig bakgrund för den halvtomma glas-mentalitet som fyller film noir. Reeds film är ambitiös och storslagen, liksom inramningen, men den är inte alltid stämningsfull i traditionell film noir-bemärkelse. Filmfotograf Robert Krasker använder ofta dramatiska och sneda vinklar för att skapa en känsla av spänning som liknar något mer standard inom genren.
Förutom enastående prestationer av de flesta av huvudrollerna, inklusive Joseph Cotton, Orson Welles och Alida Valli, är Anton Karas' partitur verkligen något speciellt. Vid första anblicken matchar hans mullrande akustiska gitarr inte de spänningsmoment den är tänkt att lyfta fram, men den bibehåller effektivt filmens överväldigande ton samtidigt som den ställer frågor från tittaren.
10 Chinatown (1974)
Det verkar som att de mer moderniserade tolkningarna av film noir - i det här fallet allt från New Hollywood-eran till idag - har blivit allt mer motbjudande allt eftersom tiden har gått och begränsningarna för vad som får och inte kan visas har lättats på film. Kanske är Chinatown inte lika våldsamt som senare filmer, men det behövde det inte vara. Nästan allt i filmen skriker bråk, vilket förstås är långt ifrån bara cynism.
En hel del av det kommer från Jack Nicholsons skildring av privatdetektiven Jake Gittes, som ser ut som Guy Pearces kalla beräkning, som spelade Ed Exley i LA Confidential, och en mindre version av den elake Russell Crowe, som spelade Bud White i samma film. Men mycket av otäckheten kommer från temat incest, som i Hays Code-eran Hollywood skulle vara svårt att diskutera - de flesta skulle inte våga röra den typ av slutregissör Roman Polanski kunde leverera.
9. Stuffy southern night (1967)
Få filmer, eller personerna bakom dem, skulle kunna vara så djärva som In the Heat of the Night. John Balls roman med samma namn var otroligt läglig – den publicerades på höjden av medborgarrättsrörelsen, och filmversionen, som kom ut bara två år senare, var inte mindre relevant. Som ett resultat blev filmen en av de mest betydelsefulla filmerna som släpptes på 60-talet, i en era när Hollywood höll på att göra sig av med ålderdomliga moraliska principer.
Oavsett om det är In the Heat of the Night eller Gissa vem som kommer på middag, har Sidney Poitier alltid stått i centrum för dessa diskussioner, och av goda skäl. Hans styrka och karisma som polisdetektiv Virgil Tibbs är gripande, speciellt när han, verbalt och fysiskt, till mångas förvåning konfronterar rasismen i det vita Amerika – som i själva verket utgör en stor del av den här bilden.
8 Blade Runner (1982)
Ridley Scotts Blade Runner har både förbryllat och fascinerat publiken i decennier nu, och det är förståeligt att den första reaktionen på den inte var lika positiv som den är idag. Allt eftersom tiden går dyker nya perspektiv upp och som ett resultat har nytt ljus kastats över filmens existentiella och filosofiska teman och dess distinkta neo-noir-smak.
Precis som många filmer som visas här eller i andra genrer, bär Blade Runner sin cynism på ärmen, och dess diskreta ljussättning förstärker den tonen. Belysningen här är dock kuriös eftersom den tjänar mer än ett syfte. Ridleys framtidsvision passar perfekt in i postapokalyptisk sci-fi, och användningen av chiaroscuro gör filmens episka räckvidd och räckvidd mer monolitisk och, som ett resultat, mer skrämmande, och kompletterar filmens visserligen otympliga utseende. Tvetydigheten i slutet har sin tyngd, ur en filosofisk synvinkel, och verkar vara en bättre lösning för film noir.
7. Laura (1944)
Det här har det pratats mycket om, men en cynisk syn på saker och ting är ett måste för film noir, fast absolut inte den enda. I Otto Premingers film Laura är detta dock inte så uttalat – åtminstone inte lika starkt som i vissa av hans samtida. Pessimismen utvecklas förstås allt eftersom historien fortskrider och slutar med ett bistert slut, som så många filmer som denna. Början av filmen är nyfiken eftersom karaktärerna är i centrum för utredningen, utan aning om brottet som begåtts.
Dessutom påminner tonen i filmen om ett lovtal, vilket är ganska rimligt med tanke på att mycket av historien i den här delen förs genom tillbakablickar. En sådan atmosfär verkar något i strid med genrens traditioner, men i slutet av "Laura" förvandlas den till något mer bekant.Tack vare skådespelarnas starka prestationer blir "Laura" en av de ledande klassikerna i genren.
6. Kom ihåg (2000)
I Christopher Nolans Memento står den moraliska tvetydighet som tidigare diskuterats i Insomnia i full blom och är det som först uppmärksammade regissören. Dessutom gör den anterograda minnesförlusten hos vår huvudperson (Guy Pearce - Leonard Shelby) detta ämne ännu mer oroande. Men hur oroande hans tillstånd än är, så gör hans osäkerhet som huvudperson och berättare hans resa desto mer övertygande.
Nolans unika narrativa struktur, där nuet utspelar sig omvänt och det förflutna utspelar sig i kronologisk ordning, gör det möjligt för tittarna att få en unik inblick i en persons psykologiska tillstånd. Och även om filmens känsloladdade öppning kan motivera hans oskuld, är vi fortfarande fasta eftersom vi inser att det verkliga mysteriet inte är vem som våldtog och mördade hans fru, utan hur han kom till filmens "final". Detta är en sorts neo-noir som noggrant utvecklar sin djupt rotade cynism genom hela berättelsen, istället för att uttryckligen visa den genom visuella bilder och/eller egenskaper.
För nyfikna sinnen ger tvåskivors samlarutgåva av "Memento" möjligheten att se filmen i omvänd ordning.
5 The Big Lebowski (1998)
Det är en neo-noir-deckare efter västerländsk svart komedi, och den är rent psykiskt – eller åtminstone var bröderna Coen det. Sedan den släpptes 1998 har The Big Lebowski underhållit universitetsstudenter och drogmissbrukare, och ofta slagit två flugor i en smäll. De genrepekningar som nämnts tidigare förbises för det mesta i filmen, men med tanke på hur bra spelarna jobbar med Coen-brödernas material är det rimligt att säga att de bara tittar i några ögonblick.
Många av filmpersonligheterna på den här listan är sympatiska för sina olika former av coolhet som passar traditionella föreställningar om maskulinitet. Kanske är det bara en aning, men The Dude (Jeff Bridges) är inte typen som bryr sig så mycket om hur han presenterar sig själv. Han är bara The Dude och det är så svårt som han behöver vara. Emellertid tvingar paret Coen honom att sätta det i centrum för en lustiga och förbryllande berättelse om absurdistisk fiktion.
4 Vertigo (1958)
Alfred Hitchcock har många kända filmer kopplade till sitt namn, men Vertigo är utan tvekan en av hans största filmer. Filmen inleds med en spektakulär kick när Scotty Ferguson (James Stewart) ser sin medsnut falla omkull döda och försöka rädda honom från att hänga på en avsats, och även om filmen blir mer psykologisk från den tidpunkten, förlorar den aldrig sin gripande kraft. Tack vare Hitchcocks förkärlek för oväntade vändningar och vilseledande karaktärer förblir berättelsen lika tät som alla hans skottkompositioner.
Hitchcocks film är ett exempel på hur mystik eller utredning spelar en sekundär roll till relationen som byggs upp mellan två karaktärer, och det som är lika fascinerande som Hitchcocks berättande är teorierna om hans teman. Många hävdar att "Vertigo" implicit eller kanske uttryckligen talar om manlig kontroll av visuella bilder i relation till femininitet och maskulinitet, och ifrågasätter därmed den dominerande manliga uppfattningen av båda. I så fall är "Vertigo" en progressiv film för sin tid.
3. Seven (1995)
David Fincher är en av de regissörer vars verk är efterlängtat och oändligt diskuterat, och efter den ökända Alien 3 gjorde han verkligen sin närvaro känd i branschen med Seven, det sensationella mordmysteriet med offer som dödats på grundval av sju dödssynder. Det finns många saker att notera med Finchers film, som hans hårda, kompromisslösa syn på brott och hans briljanta användning av tanken att det läskigaste inte är vad du ser, utan vad du föreställer dig. För att inte tala om den svåra finalen som berövar allt hopp.
Beröm ges ofta till de två huvudkaraktärerna, Morgan Freeman och Brad Pitt, var för sig, men det sägs kanske inte mycket om deras partnerskap på skärmen. Tack vare den övertygande, målmedvetna bristen på kemi mellan dem som karaktärer, kan kemin mellan dem som skådespelare lätt upptäckas. Medan vi följer detektiv Somerset (Freeman) för hans omtänksamma och lugna, befallande sätt, blir Mills (Pitt) psykologiska utforskande en sidohistoria i sig, med stor inverkan på slutet.
2. Silence of the Lambs (1991)
Jonathan Demmes The Silence of the Lambs är ett ganska unikt fall. Å ena sidan är det här en samvetsgrann deckare om hur FBI-praktikanten Clarice Starling (Jodie Foster) jagar efter en förvirrad seriemördare med smeknamnet Buffalo Bill (Ted Levin). Å andra sidan handlar den här filmen likaväl om Starlings förhållande till Dr. Hannibal Lecter (Anthony Hopkins) och de många psykologiska dominansspel han spelar med henne samtidigt som han samarbetar i hennes sak. På många sätt verkar Starlings jakt på Buffalo Bill vara sekundär, liknande James Stewarts gåta i Vertigo.
Och ändå förblir manuset absolut fokuserat, även när mycket tid ägnas åt Hannibals flykt från fångenskapen. Utredningen i sig kan tyckas liten jämfört med allt annat, men vi får fortfarande se Bill och all hans störande galenskap, inklusive några konstigt citerade rader (oroa dig inte, Lecter har också sin beskärda del). Dessutom är vi lika fångade i jakten på grund av hans två motstridiga personligheter; jämfört med Levins frihjulande Buffalo Bill, är Hopkins' Lecter mer raffinerad, även om den ibland improviserar.
1 maltesisk falk (1941)
Ingen lista över detektivfilmer skulle vara komplett utan minst ett Humphrey Bogart-framträdande, och vilken film förkunnar bättre hans storhet än The Maltese Falcon? Man skulle kunna hävda att Casablanca är hans största film, inklusive den här författaren, men tillsammans med den klassiska High Sierra, är The Maltese Falcon där han verkligen etablerade sig som nästa stora stjärna: Hollywood. Varje stereotyp hardcore film noir sleuth har modellerats efter liknande roller, särskilt hans framförande av Sam Spade från Dashiell Hammetts roman med samma namn.
Men filmen handlar förstås inte bara om Bogie; Mary Astor och Peter Lorre spelade också sina fenomenala roller. Det är varje svagt upplyst rum för att öka spänningen, och varje dramatisk vinkel av sittande och talande karaktärer att leka med publikens uppfattning om makt. Ingen kopierar och klistrar in estetik om inte anledningen är storhet, och Malteserfalken är ett fint exempel.
